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LA FORMA – PABLO RUIZ PICASSO

La forma en Pablo Picasso.

“La forma no es solo la apariencia visual, la forma recoge lo que vemos (precepto) y lo que sabemos (concepto).”

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.cPicasso pintor y escultor español, es considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.

Como ya dijimos en la práctica anterior, si por algo destacó Picasso, fue por hacer uso siempre del color y de la forma. Nuestro autor es el maestro de esta última. En él se pueden resumir todos los cambios y las significaciones simbólicas, científicas, y sociales del arte contemporáneo.

Si por algo se caracteriza Pablo Picasso es por reflejar en sus obras la situación política y social de aquella época. Como ya explicamos anteriormente Picasso pasó por muchas etapas a lo largo de toda su vida, pero en todas ellas hizo uso de la forma aunque de distinta manera.

Picasso fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor.

Las obras realizadas por Pablo Picasso, lograron estar muy influenciadas por las diversas corrientes artisticas que surgieron en aquellos años. Por ello, es que las obras de Picasso se pueden dividir en 7 grandes periodos o épocas, las cuales se diferenciaban en diversos aspectos unas de otras, y en las cuales hacia uso distinto de la  forma.

• La forma en el periodo azul

Expresando la miseria humana, las pinturas retratan figuras de ciegos, alcohólicos y prostitutas, y mendigos. La influencia de Picasso que otro autores ejercen en nuestro autor se puede ver, por ejemplo, en sus pinturas como propósito que alarga los cuerpos de sus súbditos, lo que representa obras del artista español El Greco. Así durante este periodo Picasso va a destacar por utilizar formas alargadas.

“Las dos hermanas” 1902

Las dos hermanas, 1902. El color azul inunda esta obra. Se trata de dos mujeres, una de ellas con un bebé en brazos al que solo le podemos ver la mano y parte de la cabeza, cuyas figuras reflejan abatimiento y desesperación, pero que intentan darse consuelo la una a la otra.

“Los pobres a la orilla del mar” 1903.

Podemos observar como en esta obra  “Los pobres a la orilla del mar, 1903″ también  predominan las formas alargadas.

• La forma en el final del periodo rosa

“Retrato de Gertrude Stein ” 1906

Gertrude Stein era una joven adinerada de origen norteamericano. Se trasladó a París en 1903, allí su hermano era habitual comprador de pintura de vanguardia. Quiso que Picasso le hiciera un retrato y, pese a no ser muy agraciada según cuentan, el artista malagueño se presto a ello.

Picasso inicia el retrato como una obra de la época rosa, pero podemos observar que existe una evolución muy clara, no solo en el colorido que aparece casi completamente superado, sino en la forma de conformar el rostro del personaje representado.

Si nos centramos en el rostro de la representada nos daremos cuenta de estos cambios, lineas rectas componen el contorno de la cara, acercándose al esquematismo, diferenciando cada una de las partes del mismo: boca, nariz, ojos, orejas. Especial atención llama la forma de representar sus ojos, similar a una  almendra y como podremos observar en obras posteriores con un tamaño y colocación diferentes, llegando a introducir los distintos puntos de vista de observación del espectador en una pintura.

• La forma en el protocubismo

 La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), tan radical en su estilo -la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado- que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento.

“Las señoritas de Avignon”, Pablo Picasso.

Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos.

• La forma en el periodo cubista

Picasso es la figura representativa del cubismo, fue el creador de este movimiento junto con Georges Braque y Juan Gris. En el cubismo, básicamente, las cosas se descomponen en planos, a la vez que se intenta representarlas desde varios puntos de vista simultáneamente. Hasta los cubistas una cabeza, por ejemplo, sólo se pintaba vista de frente, o de perfil, o de tres cuartos, o desde atrás. Los pintores de la nueva tendencia amplían este concepto de visión estática para reunir, en una misma tela, varias caras o «vistas» de un modelo; vistas que realmente sólo se podrían percibir en momentos sucesivos. Se trata con ello de dar una visión total y esencial de las cosas, superando el concepto tradicional de punto de vista fijo, y por lo tanto, parcial. También se rompe, así, la idea clásica de espacio. Los objetos del cubismo se hallan en un ámbito sin horizonte determinado, que trata de ser totalizador.

Un claro ejemplo de su etapa cubista es el retrato de dora mar bajo el título de “La mujer llorando” :

“Mujer llorando”, Pablo Picasso 1937

“La Mujer llorando” es uno de los cuadros pintados por Picasso tras la Guerra Civil Española. El dolor y el sufrimiento se hace patente en el cuadro. No hay lugar para la serenidad y el equilibrio. Las líneas se quiebran y los colores se contraponen. Los colores nos evocan los tonos de la bandera republicana. Son a su vez, tonos intensos, amarillos y rojos frente al frío azul que capta nuestra atención hacia el punto más dramático, unas inmensas manos y esa boca que muerde un pañuelo arrugado. La pintura no representa, si no Presenta, el grito del dolor. El tiempo y el espacio se fragmentan, el caos, la inseguridad, la desesperación quedan sugeridos.

• La forma del Guernica

“Guernica”, Pablo Picasso 1937

El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara. Veamos todas la figuras una por una:

• Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba “brutalidad y oscuridad”.
• Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, lo que nos indica que está muerto.
• Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota.
• Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador.
• Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que ésta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología.
• Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas, de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos.
• Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta. La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer.
• Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República. Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana.
• Casa en llamas.

Además, Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas.

Como podemos observar se trata de un autor con una larga trayectoria artística. Es muy difícil reducir contenidos, por eso yo decidí escoger una obra de cada periodo y a través de cada una de ellas explicar las características de cada etapa.